El rock electrónico progresivo es un subgénero del rock que se deriva del rock progresivo, con influencias determinantes de la música clásica
Algunas precisiones iniciales
Continuando con lo que comentamos en el artículo anterior con relación a los orígenes del rock progresivo, se podría afirmar que el rock electrónico progresivo (REP, en adelante) es un subgénero del rock que se deriva del rock progresivo y con influencias determinantes de la música clásica.
Nos permitimos llamarlo REP porque, entre otras razones, a través de sintetizadores y el uso de computadoras, se emula el sonido de instrumentos acústicos (como la batería y la percusión), eléctricos (guitarras y bajos) e, inclusive, de las voces humanas. Además, posee una estructura rítmica claramente pensada y planificada.
Se trata, esencialmente, de música hecha con instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. Aunque, y es típico de las artes en general, muchas veces puede ser mezclada con instrumentos acústicos como el piano o eléctricos como la guitarra.
Una aclaratoria importante
Obviamente la música electrónica es muy amplia, y aquí vamos a establecer un criterio muy personal. Por REP nos estaremos refiriendo a una parte de la música electrónica que es similar al RP en el sentido que la música es bastante elaborada, con una cierta complejidad en su estructura (ritmos, melodías y armonías bastante variables) y, si se quiere, muy pensada y planificada desde antes de llegar al estudio de grabación. En general, no tiene letras. Aunque sí puede tener voces principales y coros.
No vamos a tocar otros subgéneros también bastante importantes como el techno y el house, que se crearon en la década de los ochenta y que es una música bailable, con un ritmo repetitivo y tempo de entre 120 y 130 pulsaciones por minuto.
El REP es un subgénero que se da a conocer más universalmente hacia mediados de los años 70, aunque ya antes se habían hecho algunos experimentos no muy formales. No obstante, con la aparición de los primeros sintetizadores y su posterior asequibilidad en cuanto a los precios, se fue desarrollando con más fuerza.
Hay muchas opiniones al respecto de los pioneros, pero nosotros diríamos que serían el japonés Isao Tomita (ya fallecido) y el alemán Klaus Shulze. Ambos iniciaron las primeras experimentaciones cuando ni siquiera los sintetizadores se habían comercializado.
Tomita, el primero de todos en hacer música electrónica, adquirió un sintetizador Moog III hacia finales de los años sesenta, con la influencia de Wendy Carlos y Robert Moog. Su primer álbum de música electrónica se llamó Electric Samurai: switched on rock, lanzado en Japón en 1972 y en los Estados Unidos en 1974.
Vídeo: Switched on rock – Electric Samurai (Isao Tomita) | Gordon Rix
Por otra parte, el primer disco de Klaus Shulze, llamado Irrlicht (Quadraphonic Symphony for Orchestra and Electronic Machines), fue publicado en el año 1972 y se caracterizó porque Shulze no usó sintetizadores, ya que no eran asequibles comercialmente como ya dijimos. Usó principalmente “un órgano eléctrico roto y modificado, una grabación de un ensayo de orquesta clásica tocada al revés y un amplificador dañado para filtrar y alterar los sonidos que mezcló en una cinta en una sinfonía de tres movimientos”. Fuente: Wikipedia.
Irrlicht (Klaus Shulze)
Klaus Shulze, al igual que otros artistas como Tangerine Dream, forman parte de lo que se denomina la “Escuela de Berlín”. La misma agrupa a un conjunto de compositores de música electrónica enmarcada entre la década de los años 70 y principios de los 80.
Hacia finales de la década de los 70 y principios de los 80, se unen músicos de otros países, tales como Vangelis (Grecia), Kitaro (Japón), Suzanne Ciani (EE. UU.), Mike Olfield (Gran Bretaña) y Jean- Michel Jarre (Francia), entre otros.
Grupos emblemáticos y discos clave
Si en el artículo anterior referente al rock progresivo dijimos que era muy difícil la selección de los discos clave, lo mismo se repite para el REP. Porque realmente hay discos hermosos, algunos de los cuales representan unos verdaderos iconos de la historia de la música electrónica e, inclusive, con un gran éxito comercial como Tubular Bells, Oxygene y Blade Runner. Además, escogimos un disco de un pionero como Tomita, un asombroso disco en vivo de Tangerine Dream y uno que adapta la música electrónica a la música orquestal (Kitaro).
Snowflakes are dancing (Isao Tomita)
Es el segundo disco en estudio de Tomita. El mismo consta completamente de arreglos hechos a la música de Claude Debussy. La mayor contribución de este disco pionero fue la creación de ambientes similares a una orquesta clásica, el uso de la reverberación, simulación de violines reales y sonidos abstractos de campanas. El disco entró en el top 50 de las listas de EE. UU., donde fue nominado a 4 premios Grammy en 1975.
La pista Clair de Lune (incluimos un pedazo de ella en el pentagrama anterior) fue utilizada en la ceremonia de clausura de los juegos Olímpicos de Verano de Tokio de 2020.
Disco: Isao Tomita- Clair de Lune (Debussy) Clair de Lune (disco: Snowflakes are dancing, 1974) | Canal en Youtube de valledelconejo
Logos live (Tangerine Dream)
Se trata de un maravilloso disco de Tangerine Dream para el que quiera conocer al grupo en sus inicios. Es el octavo disco de la banda y el cuarto en vivo y representa una transición de la música de Tangerine de lo experimental a lo más melódico. Y, si se quiere, comercial.
Video: Tangerine Dream: Logos Live | Canal en Youtube de Richard W
Blade Runner (Vangelis)
Vangelis compuso la banda musical de la película producida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford. La grabó en su propio estudio en Londres utilizando un conjunto de instrumentos electrónicos y recursos muy superiores a los usados en los discos previos (sintetizadores, secuenciadores, caja de ritmos, pianos, instrumentos de percusión, etc.). Es un disco icónico y que ha sido muy influyente para las generaciones sucesivas.
Video: Love theme (disco: Blade runner, 1982) | Canal en Youtube de Richard W
Tuvo, además, un importante éxito comercial, alcanzando el puesto 20 en la lista de álbumes en del Reino Unido. No obstante, este éxito, la versión original no incluyó un número importante de pistas que sí salieron en la película. Pero a favor del disco está, por ejemplo, el uso que hizo Vangelis de voces (Demis Roussos, entre otros cantantes) e instrumentos de viento, particularmente el saxofón (Dick Morrissey).
Tubular bells (Mike Olfield)
Al igual que Oxygene de Jean-Michel Jarre, Tubular Bells es un disco clave para entender la historia de la música electrónica, particularmente la corriente progresiva. Es un clásico por muchas razones, la primera y principal, porque musicalmente es bastante ambicioso.
Fue grabado cuando Olfield tenía apenas 19 años. Tocó todos los instrumentos (electrónicos y acústicos), para lo cual se tuvo que hacer 273 sobregrabaciones o pistas. Otro aspecto técnico fundamental fue la utilización del sistema de reducción de ruido Dolby. Es un disco muy completo que incluye no solamente el uso de una gran variedad de sintetizadores, sino también voces, batería, percusión, guitarras y el sonido inconfundible de las campanas tubulares.
Mike Oldfield – Tubular bells 1 (part one) 1973 | Canal en Youtube de michelbrans
Al principio el disco tuvo una baja aceptación, pero la misma se fue incrementando con el tiempo, particularmente a partir de que su tema de apertura se utilizó para la banda sonora de la película de terror El exorcista (1973).
La contribución a la música británica fue reconocida cuando Oldfield tocó extractos de Tubular bells durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. Posteriormente, aparecieron tres sagas adicionales del disco (Tubular bells II, III y The millennium bell).
A diferencia de otros pioneros que utilizaron estudios caseros, Olfield contó con recursos suficientes para disponer de un verdadero y completo estudio de grabación a nivel profesional.
Oxygene (Jean-Michel Jarre)
Es, como dijimos anteriormente, otro clásico del REP. Fue grabado por JMJ en un estudio improvisado en la cocina de su casa, utilizando varios sintetizadores analógicos y un sintetizador digital.
Particularmente pensamos que este disco dio un salto adelante en el sentido de apuntar hacia lo que se llama la música ambiental o ambient, desarrollada en la misma época por Brian Eno (de la música ambient hablaremos en una posterior entrega). Este salto se puede apreciar claramente si se compara con Tubular bells.
Vídeo: Jean-Michel Jarre – Oxygene, Pt. 1 (Official Music Video) | Canal en Youtube de Jean Michel Jarre
Como casi todos los discos de música electrónica progresiva, al principio, inmediatamente después de su lanzamiento, no tuvo muy buena acogida. Inclusive obtuvo algunas críticas feroces porque en esa época estaba muy de moda el punk británico. No obstante, con su internacionalización, a partir del año 1977, el álbum alcanzó el número uno en las listas francesas, el número dos en las listas del Reino Unido y el número 78 en las listas de Estados Unidos.
En 2007, Jarre produjo una nueva versión del álbum, grabado en vivo, para un lanzamiento en DVD que incluía video en 3D. El título del nuevo conjunto de DVD-CD es Oxygène: Live in your living room.
Heaven and earth (Kitaro)
Hemos dejado para el final una verdadera joya de disco, el soundtrack de la película Heaven and earth, dirigida por Oliver Stone y cuya música en su totalidad fue compuesta por Kitaro. Una de las razones de la escogencia es ver que el REP tiene claras influencias del rock progresivo (lo que analizamos en la entrega anterior) pero también, y con mucha fuerza, de la música clásica.
Lo que queremos decir se traduce en que Kitaro compuso la música de este maravilloso disco usando sintetizadores e instrumentos electrónicos y, a partir de ello, elaboró las partituras para que una orquesta y coros interpretaran y grabaran la música. Es decir, estamos hablando de un nivel en el cual la música contemporánea, en este caso la música electrónica, se acopla perfectamente a la música clásica o académica.
En cuanto a la música, por supuesto es bellísima, por momentos sublime, con un sonido oriental muy claro. En la partitura podemos ver percusión de sonido exótico, gongs y flautas en contraste con los sonidos de la orquesta y, en menor medida, de los sintetizadores. También presenta huqin (violín) chino, melodías folclóricas vietnamitas y texturas vocales similares a cánticos. Además, está lleno de ricos timbres orquestales y tambores taiko.
La película de Stone consiguió ganar el Globo de Oro en el año 1993 como “mejor película” e igualmente alcanzó el premio con la mejor banda sonora original.
Video: Heaven and earth (Land Theme, 1993) | Canal en Youtube de Kitaro
En el próximo artículo hablaremos en detalle del rock progresivo de los años 70 y sus principales derivaciones a la música ambiental (ambient), al glam rock (“glam” por glamour) y al rock alternativo.
Las opiniones emitidas por los articulistas son de su entera responsabilidad. Y no comprometen la línea editorial de RunRun.es
